李神琦（REX LEE）
人体工程学研究员
美国纽约百老汇制作人
毕业于伦敦政治经济学院金融与社会学专业
曾任职纽约苏富比拍卖公司管理部
序号47，跨国金曲联唱。表演阵容：John Legend（美国）、Hélène Rollès（法国）、Westlife（爱尔兰）。核心内容：三首刻在几代人DNA里的全球金曲联唱，作为春晚尾声的“全球青春回忆杀”。
文化导向：以“经典之声”破题，构建跨越国界的“情感公约数”。不强行嫁接春节符号，而是以“爱与陪伴”的普世内核，完成跨文化对话——不是文化的“移植”，而是情感的“回响”。
与“智能人”的关系：极致留白，刻意缺席。这并非技术的疏漏，而是创作上的“克制”。通过剥离所有硅基元素与炫技舞台，将话语权完全交还给人声与旋律，用最纯粹的“人本表演”，探讨跨文化传播中“情感共鸣”对“文化折扣”的消解力。
在百老汇的跨文化传播经验中，破解“文化折扣”的路径从来不止“本土化改编”一条。《汉密尔顿》用嘻哈重构历史，是用本土语境包裹外来故事；而普利策奖得主《曾经》（Once）则反其道而行，用一把吉他、一首《Falling Slowly》，在无国界的旋律里让爱情本身成为主角。2026年春晚的《致爱组曲》，显然选择了后者。作为第47个节目，它出现在晚会尾声，恰如一部宏大戏剧落幕前的“咏叹调”，用最温柔的方式，收束了整场科技与人文的激荡。
作为兼具人体工程学视角的制作人，我原以为这会是一场“科技武装到牙齿”的国际化大秀，却没想到节目组选择了最冒险也最真诚的方式——做减法。这场表演的“高级感”，恰恰藏在它的“简单”里。它没有试图用中国结、红灯笼去“包装”洋歌曲，而是赌在了“经典的生命力”与“集体记忆的共振”上。从人体工程学“身心平衡”理论看，这种极简主义，本质上是为观众搭建了一个无干扰的“情感场域”，让听觉成为唯一的入口，直抵大脑中储存青春记忆的皮层。
一场关于“青春记忆”的精准策展
这组曲目的编排，本身就是一次精准到毫厘的“情感策展”。三位嘉宾的选择，覆盖了中国观众近三十年的“外语歌单史”，每一首歌都是一个时代的文化坐标，构成了一部流动的“青春回忆录”。
John Legend的《All of Me》，是当代深情的极致表达。它以钢琴为骨，以人声为肉，讲述着毫无保留的爱，击中了当下中青年群体对亲密关系的向往；Hélène Rollès的《我的名字叫伊莲》，则是90年代法式浪漫的代名词，更是无数中国人的法语启蒙。那个年代，卡带与随身听是标配，这首清新的香颂，曾是许多人对欧洲文艺的最初想象；而Westlife的《You Raise Me Up》，无疑是千禧一代的青春图腾。作为无数人的英语启蒙歌曲之一，它承载了毕业、奋斗、励志的集体记忆，是刻在DNA里的大合唱曲目。
拉片时我注意到，舞台设计极简到了极致，堪称春晚舞台的“返璞归真”。没有繁复的AR特效，没有炫目的智能灯光秀，甚至连伴舞都被彻底精简。背景只是一片深邃的、点缀着点点星光的穹顶，如同一个巨大的、包容一切的“回忆剧场”。这种极简的舞台，恰恰是百老汇“沉浸式戏剧”的核心逻辑——弱化视觉，强化感知。它强迫观众的注意力从视觉回归听觉，从“看节目”回归到“听自己”，在旋律中完成与过去的自己对话。
“文化折扣”的消解：当“青春”成为通用语言
初看之下，这三首歌与春节“辞旧迎新、阖家团圆”的主题关联度不高。但在人体工程学的“情感共振”视角下，这种“弱关联”恰恰是它的“强共鸣点”。春节的核心情感底色是“团圆的温暖”与“对过往的怀念”，而这三首歌所传递的“爱”“怀念”与“希望”，正是这份情感底色最普世的翻译。
在这个舞台上，“青春记忆”成为了比任何具象符号都更强大的跨文化纽带。当《我的名字叫伊莲》的前奏响起，中年观众仿佛瞬间穿越回那个听卡带、抄歌词的年代，时光的滤镜瞬间被唤醒；当Westlife的和声响起，现场自发的大合唱声浪，瞬间抹平了语言的隔阂。这种基于共同青春记忆的“双向奔赴”，让“文化折扣”在不知不觉中被消解殆尽。
这让我想起百老汇经典《妈妈咪呀！》，它用ABBA的老歌串联起整个故事，观众走进剧场，不仅仅是为了看剧情，更是为了在熟悉的旋律里重温自己的青春。《致爱组曲》亦是如此，它不再是一场单纯的演出，而是一场全球华人的“青春派对”。无论身处何地，无论母语为何，当熟悉的旋律响起，我们都成为了同一段时光的“亲历者”。
硅基缺席的深意：人声是最高级的“乐器”
最值得玩味的，是硅基生命在这个舞台上的彻底缺席。在前面的《世界义乌中国年》中，科技是连接全球的桥梁；在《我最难忘的今宵》里，科技是被反思的对象；而在《致爱组曲》里，科技的主动退场，恰恰是为了凸显“人”的主体地位。
试想，如果在演唱中加入AI实时改编，将香颂与京剧混搭，或用全息影像在舞台上强行叠加长城、熊猫等中国风画面，反而会打破这种“沉浸式的怀旧氛围”，让一场走心的情感交流，沦为一场冰冷的技术炫技。节目组的克制在于，他们深刻理解了人体工程学中的“感官负荷”原理——在极致的情感表达面前，任何多余的技术元素都是一种干扰。
这就像百老汇经典音乐剧《悲惨世界》的“音乐会版”。没有华丽的舞美，没有复杂的道具，甚至没有完整的舞台调度，演员们只是身着便装，站在麦克风前歌唱。但正是这种纯粹，让冉·阿让的挣扎、爱潘妮的绝望通过人声直抵人心，征服了全世界。《致爱组曲》亦是如此，它用一场“无科技”的表演，证明了跨文化传播的最高境界，不是技术的赋能，而是灵魂的共振。
John Legend的钢琴独奏，是赤手空拳的深情；Hélène Rollès的低语吟唱，是穿越时光的温柔；Westlife的和声，是无需言说的默契。这些，都是硅基生命无法模拟的“生命质感”。算法可以分析旋律的走向，却无法复刻歌手气息里的故事；数字人声可以做到绝对音准，却无法传递历经岁月沉淀的情感厚度。
节目尾声，当最后一个音符落下，三位国际歌手并没有急着退场，而是拿起话筒，用并不标准但充满诚意的中文，一字一句地说出“新年快乐”。没有机器人的辅助，没有智能系统的调度，只有人类最朴素的情感在舞台上流淌，现场爆发出了整场晚会最持久、最热烈的掌声。
这一刻，我忽然读懂了这场表演的终极答案。在这个科技飞速发展、AI无孔不入的时代，我们习惯了用技术连接世界，用算法筛选喜好。但《致爱组曲》告诉我们，科技可以让文化“走出去”，可以让远隔重洋的歌声瞬间传遍世界，但只有真诚的情感，才能让文化“走进去”，走进每个人的心里。
有时候，最顶级的跨文化表演，不需要炫目的特效，不需要复杂的改编，只需要一把好嗓子，一首好歌，和一份愿意彼此倾听的真诚。这，便是《致爱组曲》在2026年春晚舞台上，留下的最温柔、也最深刻的注脚。
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